TEATRICA
SGUARDO DAL SUD (18)

La drammaturgia di Evald Flisar calata negli abissi dell’essere


      
Un paio di anni fa Multimedia Edizioni ha pubblicato il volume “Tre Drammi” del 69enne autore sloveno, assai apprezzato e ampiamente rappresentato sui palcoscenici stranieri. Le opere incluse – “Domani sarà meglio”, “E Leonardo, allora?” e “Nora Nora” – ottimamente tradotte in italiano da Diomira Fabjan Bajc, mostrano una scrittura teatrale la cui crudeltà espressiva è impastata di utopia, di poesia e di mordace ironia. La carica dialettica che ne deriva è frutto di una sapiente architettura tematica e stilistica.
      




      

di Anna Santoliquido

 

 

La scrittura teatrale incarna le vicende umane, le rappresenta e le irride, deformandole e innalzandole nelle sfere più elevate. È questo il miracolo della mente creativa: captare il pensiero, avvertire il respiro, percepire l’anelito fino a sconfinare nel sogno e nell’irreale. Le parole – sentinelle della coscienza – si nutrono di sangue e miele e viaggiano a ritmo serrato nell’intimo e nel sociale.

Vocaboli vagabondi e spiritosi tessono la drammaturgia di Evald Flisar, tra gli autori sloveni più apprezzati e ampiamente rappresentato sui palcoscenici stranieri. Ci conosciamo da anni e non smette mai di sorprendermi.

La sua narrativa è irresistibile. I racconti hanno risvolti inattesi. Ma forse è il teatro il suo eldorado. Egli, servendosi di un linguaggio postmoderno e classico al contempo, porge dialoghi lineari e assurdi, limpidi e grotteschi, metafisici e selvaggi tanto da suscitare stupore e riso amaro. Un modo altro di recepire la realtà  e di metterla in scena, vestendola di ironia. La sua crudeltà espressiva è impastata di utopia e di poesia. La carica che ne deriva è frutto di una sapiente architettura tematica e  stilistica. 

Come in Shakespeare, succede che egli prenda spunti da opere esistenti, dandoci una sua particolarissima impronta (Nora Nora, Tristano e Isotta). I personaggi, problematici e ambivalenti, agiscono con padronanza, sfidando le convenzioni e la sorte. Un tempo senza tempo sembra permeare le pagine che rammentano i maestri del teatro greco, ma anche gli autori contemporanei della statura di Ibsen, Beckett, Pinter.

Per il pubblico italiano la scrittura flisariana ricorda innanzitutto la genialità di Pirandello (1867-1936), per la dolente visione del mondo, il gioco tra finzione e realtà, il dramma dell’essere e dell’apparire. Per entrambi il palcoscenico non fornisce illusioni, ma è il luogo dove la realtà è messa in discussione, coinvolgendo appieno gli spettatori. Al pari del Nobel siciliano, il Nostro fa un’attenta analisi della società, rilevandone le ipocrisie, le menzogne, la violenza, le assurdità. Essi si concentrano sulla personalità del soggetto che mettono a nudo all’inverosimile. Il sarcasmo del drammaturgo sloveno è un’arma per smascherare i protagonisti e mostrare la complessità delle situazioni.

L’uomo, riteneva l’autore di Agrigento, non è sempre quello che crede di essere, né quello che gli altri credono che sia. Emblematico al riguardo è il romanzo Uno, nessuno e centomila (1925). Il tema del doppio è una costante della produzione teatrale di Flisar. La concentrazione sull’idea e sulla parola che la esprime costituisce il motore del suo lavoro che, similmente a quello pirandelliano, non necessita di orpelli per essere rappresentato. Il suo è pertanto un teatro essenziale.

Riproporre in modo originale la descrizione della crisi dell’io, facendo della “scomposizione della personalità” una proposta “umoristica” è un elemento che accomuna i  due scrittori. Dato che, secondo quanto rilevato da Marziano Guglielminetti nell’introduzione al romanzo suddetto, trova radici nel flusso di coscienza inglese. Joyce, Woolf fecero della “rottura degli argini dell’io” una fonte di innovazione. D’altronde, sin da giovane Pirandello si considerò “un poeta umorista”, definizione che si addice alle capacità scritturali di Flisar.

La lezione drammaturgica dell’intellettuale di Ljubljana ha varie ascendenze risalenti persino a Kafka e al genere fantasy (per la fantasmagoria delle trovate, lo sguardo dilatato, il superamento del contingente). Ma ciò che più intriga è il suo cuore-fanciullo che mai soccombe al vacillare terrestre e al caos distruttore delle realtà momentanee. Le lacerazioni e la tragicità esistenziali si trasformano in energia positiva che contagia il fruitore e lo sostiene, salvandolo dal pessimismo, ma allertandolo sui lati oscuri del progresso, la falsità dei rapporti umani, la caduta dei valori, il disfacimento planetario. L’umorismo e l’ironia sono ancore di salvezza in opere nelle quali è evidente la volontà del drammaturgo di tenere alta la tensione (che rinvigorisce pure con messaggi ecologici miranti a difendere la natura e la bellezza).

Molte battute agrodolci riportano all’inventiva di un altro italiano: Eduardo De Filippo (1900-1984), autore e interprete di commedie dialettali e popolari di dimensione internazionale. Il guizzo, la prontezza di spirito dei personaggi, la frase salace, gli equivoci, la potenza evocativa degli enunciati del grande napoletano sono ricorrenti nel teatro flisariano.

 

 

 

Eduardo De  Filippo

 

 

In un clima impietosamente satirico e, non di rado, paradossale, la parola si rigenera come l’araba fenice, riuscendo a superare il logorio della costruzione-distruzione messa in atto nelle varie scene. Flisar è anche un celebrato scrittore di libri di viaggi e sa imprimere movimento alla pagina. La sua mobilità (ha visitato e vissuto in varie nazioni) si ripercuote sul linguaggio. Nei dialoghi il parlare si distende e si inalbera, mantenendo desta l’attenzione del lettore-spettatore. I dialoghi fungono da specchio e riflettono solitudini, incongruenze, amarezze, appetiti repressi. Non è il giudizio morale a interessare il drammaturgo, bensì lo svelamento, pure quando pazzia e verità coincidono e l’immagine rimandata dallo specchio mette a soqquadro la ragione. Il suo intento non è quello di colpevolizzare, ma di problematizzare, lasciando al fruitore la libertà di pronunciare giudizi.

La limpidezza espressiva è una sorta di fede laica che sovrasta tutta l’opera di Flisar il quale cavalca l’onda dell’impegno e del successo. A lui preme indicare il processo più che la conclusione. Scienza, democrazia e arte appaiono assi importanti intorno a cui si sviluppano le relazioni sociali scaturite da eventi collocati in diversi periodi. Ed è così che l’età del compromesso si scontra con l’intenzione del drammaturgo di non adulterare il linguaggio che rimane la chiave di volta delle situazioni.

Nelle esplosioni delle tensioni e nell’ebbrezza, c’è chi bara, mente, recita, si confessa, in un amplesso verbale e gestuale che sbeffeggia la morale dominante. Un’orgia di sentimenti che talora causa regressione e apatia. Ma non bisogna toccare il fondo per riemergere? È questa la via d’uscita? La mestizia e il disordine sono esorcizzati dalla freschezza del discorso che restituisce il flusso sanguigno della letteratura.  

Il corpus teatrale di Flisar può essere letto anche come un felice bilanciamento tra il modello trasgressivo (rifiuto del convenzionale, rivolta al potere dell’altro) e la festa ordinata delle parole. Dalla presentazione grottesca dei personaggi e dalle situazioni esilaranti si colgono dati che tendono al superamento di inibizioni e paure ancestrali.

Orwell (1903-1950) non è molto distante da queste commedie. Si pensi a La  fattoria degli animali (1945) e soprattutto a 1984 (1949), con la sua allucinante ambientazione in un regime totalitario del futuro. Nel narratore inglese vi è una lotta sfibrante dell’uomo contro l’oppressione politica ed economica. In Flisar, l’individuo deve fronteggiare gli attacchi esterni e la débâcle interiore.

Il lettore dei testi flisariani si confronta con personaggi scomodi e verità nascoste che mettono a dura prova il perbenismo e il falso pudore. Essi si muovono sul filo del rasoio, ma non sono spettri del reale. Vivono in situazioni estreme, ai margini del possibile e dell’impossibile, rivendicando una loro capacità onirica che è anche incantamento. Susan Smith Nash, nell’Introduzione alla versione inglese delle opere teatrali di Flisar, parla di iperrealismo e di dimensioni parallele.

La fragilità emotiva dei protagonisti è fotografata nell’ambito della relazione che non è scontata e per questo diverte e sconvolge. Il sogno e l’immaginazione risultano zone franche. L’intreccio degli elementi tragicomici assolve alla funzione di relief ed evidenzia lo spessore di un autore che è interessato alla trasformazione della coscienza individuale prima che al sociale. Egli dichiara di prediligere la persona con la sua verità e la sua storia  e come queste si dispieghino o si arenino attraverso il rapporto con gli interlocutori.

Il vuoto, l’insoddisfazione, il timore di essere derisi spingono i soggetti a costruirsi mondi altri in cui vivere senza inibizioni. Il lettore scopre che un velo sottilissimo separa il reale dall’immaginario e che il dimenarsi perenne dell’uomo è rivolto a “raggiungere l’irraggiungibile.

Già Ibsen (1828-1906) aveva portato sulla scena il quotidiano, con le  ipocrisie, le tare, gli sconforti, le crisi. I suoi eroi, assetati di assoluto, si arrendono al combattimento o cedono alla disperazione. I protagonisti di Flisar sono voltagabbana per necessità, ridono per non sentire le sferzate della pena e la noia del vuoto che li divora.

Il teatro dell’assurdo, con Beckett e Pinter principalmente, ha rivoluzionato la drammaturgia mondiale del Novecento. Il paradosso, il delirio, la solitudine, la sopravvivenza hanno assunto valenza poetica, conquistando i palcoscenici internazionali. I mendicanti Vladimiro ed Estragone, protagonisti di Waiting for Godot (1952) e prototipi della condizione umana, hanno consentito al drammaturgo irlandese, come annota Carlo Fruttero, di “portare fino in fondo l’operazione che ha tentato in tutti i romanzi, e cioè l’oggettivazione dell’assurdo”. Le relazioni private, il panico e l’entusiasmo, l’immobilità del tempo, le smanie, il teatro nel teatro, il traguardo metafisico (più che politico e sociale) hanno contagiato generazioni di scrittori. 

Flisar non è un “arrabbiato” alla guisa degli inglesi Wesker e Arden (che pure hanno contribuito in maniera sostanziale a svecchiare il teatro), è piuttosto un autore che intinge la penna negli abissi dell’essere, per farne emergere la fantasia, la perversione, il riso beffardo della commozione. Egli ha assorbito la lezione dell’assurdo che assoggetta al suo estro. I testi elusivi, martellanti e, per contrasto, spudoratamente candidi, attestano la serietà di un lavoro coraggioso e disciplinato che molto aggiunge al teatro psicologico. Lucidità e originalità si coniugano a meraviglia con la vena umoristica e polisemica di un uomo che fa della tragicommedia una sorgente viva di sviluppo artistico.

 

 

 

L’idea di portare sui palcoscenici italiani le opere teatrali di Flisar è nata a Ljubljana, tra pietanze orientali, citazioni dotte e scrosci di risate. Mi sono subito innamorata del progetto che ha coinvolto professioniste affermate: le traduttrici Jolka Milič e Diomira Fabjan Bajc, la scrittrice Jana Bauer.

La scelta dei testi Domani sarà meglio, E Leonardo, allora? e Nora Nora è voluta dall’autore e consente di fruire di pagine stilisticamente eleganti e rappresentative del suo teatro e della parabola esistenziale.

In Domani sarà meglio – due Atti trasmessi il 31 agosto 1980 dalla BBC Radio 3 e poi rappresentati per la prima volta il 23 novembre 1992 a Ljubljana – il drammaturgo situa quattro personaggi al circolo polare artico, in Siberia, all’inizio del Novecento. Si avverte sin dal principio una cruenta battaglia tra il senso e il nonsenso, la razionalità e l’irrazionalità. È lo scontro per la sopravvivenza; lo sforzo teso allo spasimo per attutire i morsi del dolore. Immaginazione, violenza, “antiche verità” che affiorano dal subconscio delineano i labili confini tra l’ordine e il caos. Il giudice Myškin vorrebbe trasformare il presente in un domani migliore (scrive una lettera che non ha fine). Il vuoto e i sogni convivono con l’ausilio dell’ironia e dell’umorismo. Chiarificatori sono i versi: “Danziamo come fiocchi di neve, / senza toccare terra. // Siamo efemere – / La nostra direzione è quella del vento”.

Seguire il vento è cogliere l’attimo fuggente, senza braccare le chimere del futuro (“la fede cieca nel futuro porta a inutili vittime”). Il processo in tribunale è una farsa che non altera lo stato delle cose. Eppure nell’ottica quasi noir del play, si acquista una nuova consapevolezza, ci si rinnova nella pluralità dei ruoli, si ride, sapendo di bleffare.

Nel labirinto dei segni in cui è possibile smarrirsi, ma pure districarsi e gustare avventure divertenti, assume notevole valenza l’opera E Leonardo, allora?, portata in scena per prima nella capitale slovena il 9 ottobre 1992. Commedia in due Atti e ricca di personaggi, è ambientata in una clinica neurologica. Flisar presenta gli eventi con distacco. Il nucleo centrale è la persona umana con il suo legittimo diritto alla diversità. Le manipolazioni scientifiche sono indagate con rigore e risultano sorprendentemente attuali. Scienza e politica sono corrosi dall’ambizione e non agevolano il progresso tout court.

Il disegno della dottoressa DaSilva di trasformare lo smemorato Martin in un superuomo e l’ostinazione del dottor Hoffmann a ritenere incurabili i malesseri dei suoi pazienti (in realtà problemi psicologici legati al bisogno d’amore e di sicurezza) sono materia incandescente manovrata con abilità.

L’umorismo irrefrenabile è una critica al sistema. La società famelica schiaccia i sentimenti, favorendo l’alienazione. Malattia, normalità e identità sono argomenti del testo che alterna affondi sarcastici a tratti di poetica leggerezza (degni, per analogia, dell’interpretazione attoriale del drammaturgo e Nobel Dario Fo). L’etica e l’estetica marciano all’unisono.

Scomporre l’uomo o lasciarlo alle leggi della natura, restituendogli “la libertà di decisione, la capacità di confidare in se stesso” sono conflitti rimarcati. Flisar sostiene che le emozioni primordiali dell’amore siano più potenti dell’arte e possano rinnovare gli animi.

La stesura magistrale dell’opera, gli ingredienti colti, i nessi con la musica classica, la recitazione, la zumata sulle forze sinistre, la sottile caratterizzazione dei personaggi fanno di E Leonardo, allora? un lavoro di alta drammaturgia.

Nora Nora dispiega un corpus linguistico fuori dal comune a sostegno delle tremende schermaglie tra due coppie che abitano nello stesso appartamento senza averne coscienza. Un gioco distruttivo che i quattro personaggi alimentano per l’incapacità di adattarsi. È l’atavico vezzo di desiderare ciò che non ci appartiene. La metafora della giraffa è indovinata. Il femminismo, l’intimità e l’alienazione, il tentativo ardito di esplorare la relazione coniugale, le intese e le perversioni, le ambiguità degli universi paralleli sono il ritratto della società odierna (specialmente borghese).

La tragicità del reale è scandita con intelligenza. Flisar, da acuto pensatore,  riesce a fondere il privato e il letterario, valendosi di strumenti raffinati (vedi i dizionari). 

 

 

Evald Flisar (1945, Slovenia)

 

 

Il sentimento d’amore va innaffiato ogni giorno per non appassire. Il dono di sé e l’impegno possono essere dei salvagenti. La felicità è effimera se non è sorretta. Scambiarsi i partner non diminuisce le angosce. Giovano piuttosto la complicità e l’accettazione delle somiglianze e delle differenze. Tuttavia, alla fine del testo, dopo assalti estenuanti, si intravede uno spiraglio di speranza.

Il dialogo incalzante, i termini penetranti, il ribaltamento dei ruoli, la constatazione della noia e del predominio, la creatività, lo scherno conferiscono consistenza intellettuale e drammatica al testo. 

Si apprende del desiderio di una vita “meno frenetica, con necessità ridotte. La comunità stremata partorisce aggressività e desolazione. Concede poco alla riflessione (infatti si legge meno); le “importa solo lo scambio dei favori e dei beni”.

Le situazioni parallele di Nora Nora fanno riaffiorare alla memoria l’opera monumentale del greco Plutarco (ca. 56 - ca.125), arconte in Cheronea e poi sacerdote nel tempio di Delfi. Le vite parallele sono biografie, presentate in coppia, di illustri personaggi greci e romani dei quali il prolifico scrittore evidenzia le affinità e le diversità. Il proposito di trovare una mediazione tra la cultura greca e quella romana lo induce a porre l’accento sull’individuo, per dare risalto al carattere, al modo di agire, all’interiorità.

Le coppie di Nora Nora sono proiezioni della stessa personalità? O sono mondi possibili da cui astrarre dettagli che aiutino a sopportare la paura della morte? La vita, scrive Flisar, “è lotta contro l’inevitabile fine”.

  

La trama e l’ordito dei tre drammi – tradotti finemente in italiano da Diomira Fabjan Bajc – hanno anelli di congiunzione ravvisabili nella filosofia, la ricerca scientifica e linguistica, la difesa del punto di vista (che è democrazia e controcultura), il convincimento (condiviso dal londinese Edward Bond) che la tecnologia non debba avere priorità  sugli uomini.

Il cinismo e l’immobilità, la sopraffazione, il nonsenso e i mulinelli del nulla trovano nel contrafforte del comico e del tragico un guerriero difficile da abbattere. L’ambrosia è costituita dall’autoironia e da una dose abbondante di erotismo. La fame sessuale è anch’essa primigenia e ci guida a non perdere, per dirla con il critico e drammaturgo Ettore Catalano, la “malvagità teatrale” dello scrittore. I riverberi dell’istinto – che trascendono il tempo – infiammano i fogli, innervandoli di follia e poesia. Ciò che resta non è cenere, ma un profumo mitologico e metafisico che seduce e scombussola.

 

 

                                                                                                                                                                                                               

*  L’opera Tre Drammi di Evald Flisar è stata pubblicata in Italia da Multimedia Edizioni, dicembre 2012.

 

 

                                                                                                                                 

  

 

 




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